Entrevista

Nuestra entrevista con el fotógrafo francés Julien Spiewak, quien comenzó su carrera fotografiando desfiles de moda para Dior, Chanel, Yves Saint Laurent y Versace, y que hoy crea fotografías artísticas que conectan el cuerpo humano con obras de moda y arte presentes en colecciones privadas y museos de todo el mundo.

The Fashiongton Post: Julien, comenzaste fotografiando la moda en movimiento. ¿Cuándo la quietud se volvió más poderosa para ti que el movimiento?

Julien Spiewak: Empecé hace más de veinte años fotografiando desfiles de moda en París, especialmente para Dior, Chanel y Saint Laurent. Amé profundamente ese período: la energía, el ritmo, la intensidad del movimiento. Pero bastante pronto sentí la necesidad de crear imágenes arraigadas en mi propio universo, donde pudiera poner el cuerpo humano en diálogo con obras de arte, muebles y arquitectura. Para ello, ya no necesitaba capturar un instante fugaz, sino posicionar el cuerpo de una manera precisa, casi evidente, dentro del encuadre. El paso del movimiento a la quietud fue un cambio radical en mi forma de trabajar, pero me abrió una inmensa libertad creativa.

F.P.: Si Dior, Chanel y Saint Laurent fueran museos en lugar de casas de moda, ¿qué tipo de arte colgaría de sus paredes?

J.S.: Es una pregunta maravillosa. Las casas de moda recurren cada vez más a la historia del arte y colaboran con artistas contemporáneos. Imagino las paredes de Dior, bajo Jonathan Anderson, llenas de pinturas de animales del siglo XVIII —en particular erizos y palomas— como referencia a los motivos que exploró recientemente a través de los accesorios. Para Yves Saint Laurent, imagino una colección muy colorida, similar a la que poseía el propio diseñador: obras de Matisse, Picasso y Mondrian, donde el color, la línea y la composición dialogan intensamente con la moda.

F.P.: ¿Qué te enseñaron los desfiles de moda sobre el cuerpo humano que los museos nunca podrían —y viceversa?

J.S.: En ciertos desfiles, los cuerpos se vuelven casi escultóricos. Recuerdo vívidamente mi primer desfile de Jean-Paul Gaultier en 1998: bustos de mármol ocupaban la pasarela y las modelos llevaban peinados cubiertos de yeso. Sin saberlo entonces, ese desfile anticipaba mi serie actual, Corps de style. Hoy literalmente visto los cuerpos con mármol, esculturas y muebles. La gran diferencia es que en los desfiles los cuerpos están en constante movimiento, mientras que en los museos debo encontrar una única posición perfecta en la que el cuerpo y la obra se conviertan en uno solo.

F.P.: ¿Hubo una fotografía específica que te hizo darte cuenta de que ya no estabas documentando moda, sino creando arte?

J.S.: Mis primeros experimentos para Corps de style mostraban modelos vestidos junto a muebles, pero las imágenes aún se sentían muy ligadas a la moda. El verdadero punto de inflexión llegó cuando eliminé la ropa: de repente ya no eran modelos, sino cuerpos en relación con obras de arte. Fue entonces cuando decidí explorar plenamente el concepto y desarrollar la serie. Las primeras fotografías se realizaron en casas privadas de coleccionistas de muebles antiguos y, poco después, en museos de Francia, Italia, Suiza y Mónaco. Cada proyecto es un encuentro con una colección, una historia y un lugar. Los cuerpos se funden con las obras y la arquitectura a través de curvas, colores y texturas materiales. Intento introducir un elemento de misterio y, a veces, de humor. Cada imagen tiene sus propios códigos y referencias.

F.P.: ¿Crees que el cuerpo humano compite con los objetos de arte o los completa?

J.S.: A menudo me dicen que mis imágenes son muy originales, pero para mí el mobiliario siempre ha sido una extensión de las curvas del cuerpo. En ciertos períodos, los ebanistas permitían que aparecieran patas de animales en los pies de sillas o cómodas. Por eso, unir cuerpos contemporáneos con muebles antiguos me resultó completamente natural. La fotografía tomada en el Palacio del Príncipe de Mónaco, con la pata tallada de una mesa de centro, ilustra perfectamente el concepto de la serie: la mano de la modelo está en perfecta simetría con la pata del animal. El cuerpo y el entorno se convierten en uno.

F.P.: ¿Qué parte del cuerpo te parece más “arquitectónica” y por qué?

J.S.: El cuerpo en su totalidad es profundamente arquitectónico. En mi fotografía Marble Column, Carole, realizada en el Museo Ariana de Ginebra, emparejé una gran porción del cuerpo con monumentales columnas de mármol rosa. Las curvas, los colores y las cualidades materiales se fusionan sin esfuerzo. Las columnas parecen esculpidas como cuerpos, mientras que el cuerpo humano parece reflejar el color y las vetas del mármol. La carne y el material se convierten en extensiones el uno del otro.

F.P.: La fotografía de moda suele glorificar la perfección. ¿Ha cambiado tu relación con la imperfección desde que trabajas con el arte?

J.S.: La fotografía de moda tiende a glorificar cuerpos perfectos y piel impecable, mientras que mi trabajo artístico juega con la imperfección. En Louis XV stair banister of Keizersgracht 672 (ca. 1750), Léopold, fotografiada en el Museo Van Loon de Ámsterdam, decidí resaltar el vello corporal y los lunares. La espalda se convierte en el telón de fondo ideal para un elemento de bronce patinado marcado por el tiempo. Las manchas oscuras del bronce recuerdan a “marcas de belleza”, huellas de la edad y de la vida. De manera similar, en Marble, Florence, fotografiada recientemente en el Hôtel Hermitage Monte-Carlo, las venas del brazo evocan las del mármol. Me encanta especialmente esta imagen porque se vuelve casi abstracta: es a la vez un retrato, un paisaje abstracto y una imagen arquitectónica. Los límites entre los géneros fotográficos se disuelven.

F.P.: ¿Qué es lo más radical que aún no has fotografiado?

J.S.: Todavía hay muchos lugares donde me gustaría desarrollar proyectos. Recientemente visité el Ministerio de Cultura francés en París. El despacho del ministro ocupa el ala Valois del Palais Royal, un lugar simbólico de la República y un edificio cargado de historia, ya que Jérôme Bonaparte residió allí. Crear una nueva serie en un espacio donde el poder aún se ejerce hoy, pero dentro de un entorno histórico, representaría para mí un verdadero desafío artístico.

F.P.: Algunos dicen que la película ralentiza la mirada, mientras que lo digital la acelera. ¿Cuál sientes que guía mejor tu visión?

J.S.: Como ahora fotografío en museos, la preparación es esencial. Dedico mucho tiempo a organizar cada sesión: tomo fotografías de exploración, las imprimo en blanco y negro en mi estudio y dibujo sobre ellas con lápices de colores para explorar el encuadre y la colocación de los modelos. También anoto estas imágenes preparatorias con una lista de las obras presentes en la fotografía, lo que me ayuda a definir el título final. El paso a lo digital no ha cambiado mi práctica, ya que las imágenes finales ya están previsualizadas a través de estos estudios previos.

F.P.: Tradicionalmente, tu consejo para los lectores de “El Fashiongton Post”.

J.S.: Nunca duden en sumergirse en la historia del arte: es una magnífica fuente de inspiración para la creación contemporánea. La moda, la fotografía y todas las artes hacen constantes referencias a obras del pasado.